印象派名画介绍（ZT）

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:27:37

本来想写写去大都会的感觉的，可想了半天觉得还是惭愧多，因为在那里面转来转去其实还是浮光掠影，倒是身边的哥们还说了不少名堂出来，我想我大概有必要在下面好好学习学习之后再去看看，才能谈出一点两点的体会。

这次画展同时展出了很多印象派大师的传世之作，可惜本人阅历有限，除了几副，大多都是模糊的印象，连个画家的名字都辨认不清楚，今天先查下转贴的资料，待周末条件允许打算再去看看。

这组文章都是转贴，也许对跟我一样看不懂英文介绍的朋友能有些帮助。

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印象派简介： 1874年，有一群年轻的画家在巴黎组织了一个他们自己的画展，来向官方的沙龙挑战。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等在内的画家们不仅有各异的性格和天赋，而且在某种程度上他们还具有不同的观念和倾向，但是，他们诞生在同样的时代，有着同样的经历，并且向同一的反对派斗争过。他们欣然接受一些杂志的讽刺文章作家封给他们带着嘲笑味道的称号——“印象派”。

  《吹短笛的男孩》，又称吹笛少年，1866年 ,160x98cm ,布油彩 ,巴黎奥赛博物馆 ,爱德华·马奈法国
  《吹笛少年》画中描绘的是近卫军乐队里的一位少年吹笛手的肖像。画家在探索形与色的统一时，注意到人物个性特征的刻画。在色彩上追求一种稳定的、几乎没有变化的亮面，然后突然转入暗部，将人物置于浅灰色、近乎平涂的明亮背景中进行描绘，用比较概括的色块将形体显示出来。在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。

  自然主义作家左拉曾在这幅《吹短笛的男孩》面前赞叹道：“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”虽然现在看来，这幅画给人带来的震撼并未见得有多强烈。然而在马奈那个时代，这幅画的好处恰恰在于叛逆，不合当时的礼教。第一没什么内容，第二没有什么深意，就是个小男孩，什么都不代表，什么都不说明。而且马奈画的时候非常快，完全变革了以前的画法！当时官方沙龙展的评委们都不愿意收这幅作品，谁又想到100多年后，这幅画市值8亿人民币。

  权威评价：19世纪60年代，刚刚摆脱第一任老师库图尔的权威的马奈，又遭到同时代人的不理解，他在沙龙中经历了好几次失败。他在室内作的与实体同样大小的人物绘画给人一种奇怪的印象，遭到许多批评，例如这幅《吹短笛的男孩》，被1866年的官方沙龙展的评判委员会拒绝。
　　这幅画表现一个皇家卫队的年轻轻骑兵正在吹短笛，这是一种声音尖锐的木制小笛子，它用于引导士兵投入战斗，笛子的名称成了画的题目。由一儿童在画家的画室里扮演的乐师占据了画的中心位置。他清楚地显现在色调细微变化的灰底色上，画底没有给出一个确切的空间，仅仅给人一种空气在他的周围流动的印象。画家在他的肖像画中常常使用的这种中性的不可触知的背景，是受黄金时代的西班牙画家，尤其是贝拉斯克斯和牟利罗的启迪，马奈不久前去马德里旅行期间，对他们大加赞扬。由于想让被画对象看起来是孤立的，避免造成这是在游行或军事训练现场创作的印象，马奈没有加进任何轶事性背景成分。孩子、服装及短笛构成画的惟一主题。画是在画室的冷光线中完成的，这一点从投到地上的短影可以得到证实。
　　马奈很早就参军了，是一名水兵，他以怜悯的目光看着这个孩子兵，为因画画需要而穿上的这身行头感到骄傲。他的全部注意力都集中在这身由红、黑、白、金色装饰的完美军服和短笛的金色金属套上。用白色布带束住的乐管在男式紧身短上衣的深色呢绒上和裤子的茜红色呢上闪闪发亮，短上衣上饰有铜钮扣。紧束孩子的上半身的布带形成一道亮光，与白色的鞋罩相映衬。只有孩子的脸和手有生气，与有点僵硬、看不出细节的侧影形成明显的对照。马奈的同时代人指责这缺少厚度，处理过于简单，像是厄比纳尔城印出来的天真的民众像。背景与人物之间没有配景，也没有联系，这些也使人物显得不真实。人物用大色点处理，很像扑克牌上的人头像和日本的铜版画。马奈的《吹短笛的男孩》今天普遍受到好评，这幅画是马奈对很少被印象派画家画的军队主题的一个无视传统观念的挑战。
　　这幅画的朴实无华证实了艺术家的现代性，他是一切陈规之敌，他通过其作品表达一种新的世界观。“我相信不可能用比他更简单的手段获得比这更强烈的效果的了。”自然主义作家左拉在《吹短笛的男孩》面前赞叹道。

马奈简介：
  马奈Adouard Manet(1832-1883)是法国印象主义画派中的著名画家，是亨利·凡汀·拉图尔的《巴迪侬画室》画作中位于中间的那个人，他对欧洲绘画的发展有重要贡献；尽管他从来没有参加过印象派画家的联合展览，仍被认为是印象主义画派的奠基人，很早就被后来的印象派画家们视为大师。这些画家比马奈年轻10岁左右。尽管马奈得到了这个尊称，尽管他与这些年轻画家保持着友好关系并同他们一起外出写生，他却始终拒绝参加印象派组织的画展。由于希望得到官方的承认，他从1859年开始定期将画作送给沙龙评审委员会审查。他参加沙龙的运气时好时坏：有时他成功地被接受，如当他于1861年在沙龙上展出一幅名为《弹吉他的人》的画作时（现存于美国纽约大都会艺术博物馆），有时又被轻蔑地拒之门外，如当他于1866年向沙龙提交一幅名为《吹短笛的男孩》的画作时。
  马奈的成就主要体现在人物画方面，第一个将印象主义的光和色彩带进了人物画，开创了印象主义画风。马奈早年受过学院派的六年教育，后又研究许多历代大师的作品，他的画既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，可以说他是一个承上启下的重要画家。他的作品（尤其是肖像画）很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到莫奈的才气和自负感。此画明显带有日本浮世绘版画的影响。

印象主义Impressionnism（1874-1886）：不依据可靠的知识，以瞬间的印象做画。画家们是抓住一个具有特点的侧面去做画，所以他们必须疾飞画笔把颜色直接涂在画布上，他们只能多考虑画的总体效果，较少的顾及枝节细部。印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种外表草率的画法。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和气氛的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色去反映自然界的瞬间印象，印象主义的作品选择的题材面比较广泛，无论是在城市或是在乡村，画家都试图捕捉到瞬息多变的大自然。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:30:24

印象派名画(2)：草地上的午餐

《草地上的午餐》 1863年爱德华·马奈法国 208cm×264cm 布油彩巴黎　奥赛博物馆藏
　　1863年，在巴黎展出的《草地上的午餐》，是仿效卢浮宫乔尔乔奈的《乡村音乐会》的构图。画家让裸体女郎坐在林中草地上，与两位穿衣绅士为伴，后面还有一位正在洗浴的女子。这是一种经过精心安排的“午餐”，是画家寻求色彩对比的大胆实验。此画展出后，引起舆论大哗，作为挑战性作品，马奈被推入到印象派阵营。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:32:23

印象派名画(3)：酒馆女招待-马奈

《酒馆女招待》1879 爱德华·马奈 77.5×65cm 奥赛博物馆
画中明亮、鲜艳的色调，特别是酒馆女招待充满光感的色彩，自然地反映了人物复杂而微妙的性格和心理。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:33:26

印象派名画(4)：白色牡丹花-马奈

《白色牡丹花》，1864年爱德华·马奈法国油画 31×46.5cm
伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠，1911年，巴黎，奥塞博物馆
画中只有两朵整枝牡丹花，画面深色背景使轮廓朦胧的白色和粉红色的花瓣的娇弱得以烘托出来，画是画家饱蘸浓厚颜色的画笔挥洒而成的。花的周围的绿叶丰富了辅助色的组成。这幅画在画布上的花，是画家献给他的朋友、自然主义先驱、作家和艺术评论家尚弗勒里的，以表达画家对尚弗勒里为现代绘画所做出的努力的敬意。

在印象派画家中，马奈被人看作是最伟大的静物画画家，尤其是花卉画画家，他生前主要有两个时期都在画花卉，即19世纪60年代中期和他一生的最后时期，由于病重，不能画大幅画，他便转向画静物，因为这样便于找原型。他对画花卉的兴趣产生于在博物馆学习期间，而他去博物馆的目的是竭力探寻古代绘画大师的秘诀。他在他妻子的故乡——荷兰旅行期间，研究表现花、水果和珍贵餐具的17世纪弗拉芒画家们的那些表现手法十分细腻的作品。这些东西摆在一块白色的台布上或地毯上，让人想起节日大餐和与西方的礼拜有关的菜肴。静物正如传统所定义的，从未被降低为对实物的简单模仿，而总是表达隐含的哲学思想或宗教思想。很多荷兰的画中出现完全成熟的花和水果，它们在堆积的材料和颜料下坍塌了，还常常与其他凋谢的花或被虫子吞食的水果并排着。实物的短暂的美只有通过画家的画笔才能够长久保留下来，提醒人们死亡的境遇。
　　1864年马奈有了丰富的参考材料，画了一系列表现牡丹的画，牡丹是他喜欢的花，但是很难画，因为它凋谢得早，花瓣雨一般地骤落。画家画了第一幅画，画中他把达到不同成熟程度的花放在一只花瓶中，这样表现牡丹从花蕾至花瓣凋谢的生命的周期。他又以同样主题画了一幅较小的画，画中只有两朵牡丹花，放在整枝剪旁，整枝剪子的出现令人想到剪下来的花是肯定要死亡的。画家选择的深色背景使轮廓朦胧的白色和粉红色的花瓣的娇弱得以烘托出来，画是用画笔挥洒而成，笔蘸的颜料多而浓，有质感。简明地放在花的周围的绿叶丰富了辅助色点的组成，把花的主题固定在画的左上角。这些数笔画在布上的花，是画家献给自然主义先驱、他的朋友、也是库尔贝的密友、作家和艺术评议家尚弗勒里的，以表达对他所作出的有利于现代绘画的斗争的敬意。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:35:15

印象派名画(5)：舞蹈课-德加

  《舞蹈课》，1873-1876年埃德加·德加法国油画 85×75cm 伊萨克德·卡蒙多伯爵遗赠，1911年，巴黎，奥塞博物馆
　　画家在画里重视色彩和运动，通过芭蕾舞女演员的腿的有节奏的动作和她们的短裙的轻盈使人想起梦幻舞剧。画中正在跳舞的芭蕾舞女演员的魅力与等待跳舞的女演员的不雅动作形成对照。德加强调舞步的优美，舞步的优美是长期学习、训练的结果。正在练舞的芭蕾舞女演员的侧影似乎分解了一系列给人以幻觉的动作。黄、绿、红、蓝的带子的鲜艳色彩使短裙显得更白，显示画家真正善于运用色彩。这幅画是用快速线条配景法画的，这种画法是由地板上的板条决定的，一块块板条有靠近得有点太快的趋势。一些舞蹈女演员在芭蕾舞教师于勤·佩罗的指导下练习跳舞。佩罗站在中央，手里拄着一根长拐杖，另一些挤在尽头的学生在一边休息，一边观看。从背部看过去，在第一排，有两个女演员在等待轮到自己跳舞，一个手里拿着一把扇子，另一个坐在一架钢琴上，扭动着身子，在背上抓痒。这是利用画幅里的空白处的一个好例子。

  画了不少年轻人的肖像和大幅历史画后，埃德加·德加开始接触以马和女演员为内容的最早的现代题材，这些题材后来经常被他用绘画和雕刻的形式表现出来，出于对现代性的兴趣，德加的艺术向着更加自由、更加朦胧的方向发展，画家在画里重视色彩和运动；如他通过芭蕾舞女演员的腿有节奏的动作和她们短裙的轻盈使人想起梦幻舞剧。
在1874年至1886年（除了1882年）的印象派画展上，德加定期向公众推出他的作品。不过，用他自己的话来说，他始终是一个“独立的人”。“你们，你们采用的是自然光，我呀，我采用的是人工光。”他对和他一起参展的风景画朋友们不是这样说过吗？另外，除了1869年及后来的90年代作的罕见的几幅风景画外，德加特别感兴趣的是人物画和现代画。
　　德加选择了朝向一个绿墙围绕的大厅-角的一个斜向视点，把柱子所强调的空间放大了，他还用天花板的一角截断、封住画面边缘，这种构图非常新颖。这幅画是用快速线条配景法画的，这种画法是由地板上的板条决定的，一块块板条由于透视有越来越接近的趋势。一些舞蹈女演员在芭蕾舞教师于勤·佩罗的指导下练习跳舞。佩罗站在中央，手里拄着一根长拐杖，另一些挤在尽头的学生在一边休息，一边观看。从背部看过去，在第一排，有两个女演员在等待轮到自己跳舞，一个手里拿着一把扇子，另一个坐在一架钢琴上，扭动着身子，在背上抓痒。这是利用画幅空白的一个好例子，画中正在跳舞的芭蕾舞女演员的魅力与等待跳舞的女演员的不雅动作形成对照。德加强调舞步的优美，舞步的优美是长期学习、训练的结果。正在练舞的芭蕾舞女演员的侧影似乎分解了一系列给人以幻觉的动作。黄、绿、红、蓝带子的鲜艳色彩使短裙显得更白。作为真正善于运用色彩的画家，德加还在五颜六色的腰带的色调上作文章。
　　这幅画被列入1874年的第一届印象派画展的目录中，编号是55号，但是并未拿到画展上，因为德加对这幅画正在进行加工，它已被男歌星让-巴蒂斯特·富尔订购了。
　　有助于显示作品原貌的画的X光照片不完全等同于所见到的画，原作颇像《舞蹈考试》（纽约大都会艺术馆），第一排舞蹈女演员被画的是正面，场景最初被设置在从背部看过去的一个年轻教师的周围。这幅画的X光照片使人得以发现画家的犹豫和“懊悔”，X光照片显示画家对拿着扇子的女演员和芭蕾舞教师的脸部作了修改；这个人物的修改是有准备的：之前画了一系列图画，其中一幅的日期是1875年，因此这幅画只能是在这个时期之后完成的。德加亲自绷在画布框上的画布起初比较窄，后来右边被放大了，加了一条窄的边带。
　　德加表现芭蕾舞场景的作品甚多，为他赢得了“舞蹈女演员画家”的称誉；德加从1870年开始采用这个主题，后来把它扩大到他的大部分作品中，直至最后画了着色很重的舞蹈女演员的侧面像的出色的色粉画。
　　对现代性的敏锐感觉，对新颖拼版的兴趣，对瞬间捕捉的动作的研究，同样是其艺术的固有特色，而这些特色使德加接近于印象派画家追寻瞬息即逝的特点。安娜·罗克贝尔（文）

德加简介：
  德加(1834～1917)，法国画家。印象画派的著名画家。在巴黎出生和去世的爱德加·德加是银行家之子，生来便是大资产阶级,他对古典主义的浓厚兴趣和他行为的谨慎似乎与出身十分合拍。不过,他那异常强烈的个性和独立自主的思想却又把他抛入革命阵营。他在美术学院安格尔弟子拉莫特的班级里习画,并且,始终对安格尔极为敬仰。不管他的天才如何演变,他却从不背弃过去。他的绘画作品都无可争辩地面对着素描严谨、古典之极的艺术。这种手法渐渐地让色彩占据越来越重要的地位,其作品意义远远超过人们在印象派中给予他的地位。
  他作画时,颜色只是以其物质真实性和永久真实性来补充素描从运动现实中捕捉到的东西.对于他来说,素描是迅速观察的结果,是一瞥的记忆:眼睛要能看得快,脑子要善于选择,油画则是一系列观察的结果,它不要求在发明上具有同样的质量.不过,渐渐地,人们看见他用色的界限已不那么狭隘了。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:36:27

印象派名画(6)：咖啡馆-德加

  《咖啡馆，又名苦艾酒馆》 1875-76年埃德加·德加法国油画　92×68cm 伊萨克·德·卡蒙多伯爵遗赠 1911年巴黎奥塞博物馆
  画中右侧男子是画家朋友版画家马塞兰·德布坦，左侧女子是演员爱伦·安德雷，出于偶然原因，德加为穷困潦倒的朋友画了这幅富有性格特征的肖像。画面笔触粗犷阔大，生动而简练地刻画了两人的精神状态，一杯苦艾酒，反衬出两个失意人的苦楚。构图有些奇特，人物被挤到右上角，大部分空间用来描绘酒吧陈设，这种空旷感与人物的失落感相映成趣，被人誉为是一幅有思想性的叙事画。

  德加安排了再真实不过的两个可怜人，职业模特儿、后来的女演员的艾伦·安德烈（她几次为德加摆姿势，也为马奈和雷诺阿摆姿势）坐在版画家马塞兰·德布坦（1823年-1902年）旁边，德布坦抽着烟，面带倦容，眼睛瞧着别处。场景多于肖像，这幅画甚至被人形容为“社会暗光”，因为主题的现代特色令人震惊。德加创造了一个过放纵生活的艺人和当代城市人的难以忍受的惊人形象。
  尽管德加能够看见卢浮宫里表现小咖啡馆和小酒店内的情景的17世纪的弗拉芒小幅画，但他在这里放弃了戴维·但耶斯或阿德里昂·奥斯塔德作的画上的秀丽的风貌，并用不同的尺寸、规模和人的密度完全更新了画的类型。
  在一家咖啡馆里，摆成之字型曲线的那些桌子占据了近景的空间，两个人神色迟钝、沮丧，挤在画的一个角落里。上升的斜线条将目光引向这对消沉无神的人身上。他们坐在墙角，沉默不语。这一切都用于表现在酒精作用下的忧郁颓废的精神状态。　　　
  画的X光照片显示一开始是长方形的的酒瓶已经被略微移向中心，以使它靠近酒杯，这样就在酒的周围创造了一个强点。苦艾酒杯的刺眼的色彩使画上弥漫的灰色、略带灰暗的浅灰色等中性色调更加强烈。德加主要关心的不是颜色而是和谐。在不放弃中性的或灰暗的灰色色调的同时，德加使色彩与因镜子折射而形成的伤感的灰色光笼罩下的场景气氛相适应。
  德加总是对现代生活感兴趣，他特别感兴趣的是现代的城市人。他在“巴黎生活下面”的青绿色的光亮效果中，探求意想不到的东西。德加总是试图抓住从罕见的角度观察到的人物，德加使人物的面孔和身体的表现适合于他们熟悉的环境。德加在创作主题与色彩相协调的典型的自然主义作品时，把消费者-观众的视点选在酒吧间的大理石桌子以外的地方。
  《小酒店》是左拉为他在1876年出版的小说选择的带揭露性的题目，这个题目很适用于这幅画里的场景气氛。

德加简介：
  德加（1834年至1917年）擅画瞬间印象。德加出身于银行家家庭，极为聪明敏锐，主张靠记忆作画，常用彩色粉笔把那些芭蕾舞演员、浴女画得极为生动。他也画下层社会的生活，如《苦艾酒》、《洗衣妇》等。他技巧的完美与高超是少见的。德加从1865年以后转向现代题材和肖像画创作。最初他描写赛马的场面，继而以极大的兴致描写歌剧院和芭蕾舞的排练场。他常常在后台和包厢里冷静地观察对象，研究演员们一瞬间激烈的动作。他的色调温暖、轻快、鲜明。在描绘歌手、芭蕾舞演员、洗衣妇的画面上，德加不但善于捕捉生活中的美，同时也对社会下层人物寄予同情。他的画不造作，保持观察的第一印象，他自称，被他摄入画面的情景好像是从钥匙孔里看到的。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:37:44

印象派名画(7)：证券所人像-德加

  《证券所人像》 1878-79年埃德加·德加法国油画 100×82cm
欧内斯特·梅捐赠 1923年巴黎奥塞博物馆
　这幅场景肖像画描绘的是证券所的情景。金融家欧内斯特·梅（1845年-1925年）和博拉特焦躁不安地读着一个经纪人递给他们的一张股市行情单，经纪人的头上也带着一顶礼帽，礼帽是商人的象征性的服装细节。画上行人很多，表现人们悄悄谈着股市消息的生动情景。

  希望描绘“处于随意和典型姿态下的人物”的德加用模特儿作绘画练习。这幅场景肖像画描绘的是证券所的情景。证券所是进行金融活动和进行有价商品和有价证券交易的场所。金融家欧内斯特·梅（1845年-1925年）和博拉特焦躁不安地读着一个经纪人递给他们的一张股市行情单，经纪人的头上也戴着一顶礼帽，礼帽是商人象征性的服装细节。画上行人很多，表现人们悄悄谈着股市消息的生动情景。
　　在一个调整构图的高度几何化的背景中，近景是用模糊、快速的笔法画出来的，在远景处也画了一些漫画般的面孔，甚至还有一些滑稽可笑的面孔。德加用使人看出场景的总体性和不确定性的方式来安排他的构图。人物姿态的准确度和整体画面的安排都围绕中心人物欧内斯特·梅来确定。他是惟一可以辨认出来的人。欧内斯特·梅的孩子们更喜欢用《证券所里》这个题目，希望他们父亲的名字在谈到这幅画时不要被提到，但中心人物很早就被人认出来了，因此这幅画和其主人的名字一起出了名。
　　这一大胆的场景设计出乎人的意料之外，画面被巧妙地安排在一个垂直尺寸的狭小的空间里，德加经常用它来描绘男子群像。从侧面向下看，人物便缩小成几个碎片。批评家们多次讽刺他所钟爱的这一方法：“将画布任意切割，去掉人物的脚或腿，这可不像是画画。”
　　画像似乎草率而成。大笔一挥很快就画成了深色服装。德加经常忽略细部，用他喜欢的棕、浅灰、黑色来达到色彩的和谐，笔法遒劲有力，但是不均匀，给人一种未完成的感觉，构图的奇特更加深了这种印象。
　　德加用一个动作或一个姿态来表示模特儿们的性情或气质，从而抓住“现代人的特殊之处”。
　　这幅画可能由德加介绍给了公众，因为它在1879年和1880年的第4和第5届印象派画展的目录中被提到，但媒体未作报道。
　　富豪金融家欧内斯特·梅曾经与马奈和德加有联系，德加几次画过他的肖像。欧内斯特·梅也是一位收藏家，1923年，他把一系列的绘画以保留使用权的形式赠给几家国家博物馆，其中最精彩的是著名的“三联画”，里面收集了印象派开始时期的三幅风景画：毕沙罗的《邻居村庄的入口》、莫奈的《游船》和西斯莱的《圣德尼岛》，这几幅画都作于1872年。这样的安排不仅证明梅的高雅品味，也表明他对于印象派的真正深刻的理解。这批有名的赠品于1925年他逝世时进入博物馆。安娜·罗克贝尔（文）

德加简介：
  德加（1834年至1917年）擅画瞬间印象。德加出身于银行家家庭，极为聪明敏锐，主张靠记忆作画，常用彩色粉笔把那些芭蕾舞演员、浴女画得极为生动。他也画下层社会的生活，如《苦艾酒》、《洗衣妇》等。他技巧的完美与高超是少见的。德加从1865年以后转向现代题材和肖像画创作。最初他描写赛马的场面，继而以极大的兴致描写歌剧院和芭蕾舞的排练场。他常常在后台和包厢里冷静地观察对象，研究演员们一瞬间激烈的动作。他的色调温暖、轻快、鲜明。在描绘歌手、芭蕾舞演员、洗衣妇的画面上，德加不但善于捕捉生活中的美，同时也对社会下层人物寄予同情。他的画不造作，保持观察的第一印象，他自称，被他摄入画面的情景好像是从钥匙孔里看到的。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:38:30

印象派名画(8)：年轻女人像-德加

《年轻女人像》，1867年埃德加·德加法国油画 27×22cm 巴黎，奥塞博物馆
　　这是一幅小尺寸的肖像画，比巴掌大一点。乍一看，还以为是法国现代时髦明星呢，那嘴唇、眼睛、头发、脸蛋无不透出青春和时尚。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:39:21

印象派名画(9)：舞台上的舞女-德加

《舞台上的舞女》约1877年埃德加·德加法国 60cm×44cm 粉彩巴黎　奥赛博物馆藏
　　舞台上的舞女不是名演员，也不是社会名媛，而是普通演员。画家以她们的舞姿为媒介，刻意追寻光与色的表现。通过对舞女的造型描绘，表现出强烈的灯光反射效果。这幅以室内灯光为描绘对象的作品，成为印象派绘画中最脍炙人口的佳作。舞台上的布景与绿色的地毯，衬托着光照下的舞女，显得虚无飘渺、绚丽变幻，成为一个美的世界。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:40:14

印象派名画(10)：室内-德加

《室内》约1868-1869年埃德加·德加法国 81cm×116cm 布油彩费城艺术博物馆藏
　　德加以一种温暖的光给室内以温馨感，以冷灰（绿色墙壁）围住了桔色的手饰箱子，室内的透视给空间以限定。男子处于暗部，面色阴郁，女子背部受光，仿佛在抽泣，地上散落着东西。画家以娴熟的技巧和光色效果，描写了室内环境与室内人物的情绪，色调作为情绪性气氛的渲染，暗示着一种不愉快的事件在室内发生。。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:41:17

印象派名画(11)：阳光中的裸女-雷诺阿

  《半身像·阳光的效果》又称阳光中的裸女 1865年皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿法国 81×65cm 油画习作奥赛博物馆藏
  显然1876年的雷诺阿对自己还不是很自信，他将这幅画拿出去送展的时候将其称为“习作”，好避免评论家们的指责。但评论家们却对他刻薄依旧，“那么，让我们告诉雷诺阿先生，一个女人的上半身不是一堆布满只有完全腐烂的尸体才有的绿色的紫色斑点的腐肉。”然而这些在抽象的空间里静立着的年轻裸女身上，“只有完全腐烂的尸体才有的绿色的紫色斑点”才是我们今天最感兴趣的部分。

  1876年，雷诺阿在巴黎第二次印象派画展展出这幅画时，将其称为普通的“习作”。他这样做似乎是为避免评论家们的指责，后者主要对其以往所送作品的未完成状态感到不满。但评论家们并未因此而罢休，尤其是《费加罗报》资深艺术评论家艾伯特·沃尔夫不无讥讽地说：“那么，让我们告诉雷诺阿先生，一个女人的上半身不是一堆布满只有完全腐烂的尸体才有的绿色的紫色斑点的腐肉。”沃尔夫是想以此表明，和同时代的观众一样，他对画家在绘画上的探索也不理解。画家在这幅画中表现的是裸体女性这个欧洲艺术认为合乎宗教法典的主题之一。
　　这位评论家不能接受的是雷诺阿的画看上去像一幅草图，缺少实实在在的主体（在一个完全抽象的空间静立着的年轻裸女到底是谁呢？），不能接受色彩的缺乏现实感，而这些正是今天令我们感兴趣的，也正是这些东西当时为独具慧眼的观众和某些正在探求特色道路的年轻画家开辟了新的前景。雷诺阿这幅画中的人物略微偏离中心线，在齐腰部被略显生硬地切断，用灵活的大笔触绘出的背景将其鲜明地托出，看上去似动非动，又给人以光线射在模特身上的感觉。人物上半身的明亮色调和蓝色阴影的对比、有意乱涂并置于暗处的面部展示出阳光透过植物叶片的效果，如同我们可以在露天见到的一样。这种顺其自然的创作理念正是雷诺阿所追求的，而这又正是恪守画室创作的清规戒律的学院画派卫道士们所不能容忍的。雷诺阿开始是在花园有外光的情况下画这幅画的，就像他在创作《煎饼磨坊的舞会》（巴黎奥塞博物馆藏）等名画时一样。但这并不意味着他没有在画室里对此画进行过加工，特别是要表现有着优美线条的上半身极为微妙的隆起部分时是一定要在室内工作的。
　　雷诺阿通过这幅人物画展示其“现代”裸体的观念：他曾多次申明，这种观念无疑与历史上法国绘画的传统一脉相承。但模特儿身上惟一的饰物，即其金手镯和指环使我们联想到蒙马特高地的妮妮、安娜等青年女工，画家是要将她们变成他那个时代的美女。 ----安娜·迪斯代尔（文）

雷诺阿简介：
  雷诺阿(Augu ste Renoir, 1841—1919)，法国印象画派的著名画家。皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿出生在利摩日的一个穷裁缝的家庭。5岁时全家迁居巴黎，在13岁时已学会画瓷器画的手艺。70年代雷诺阿和莫奈经常共同外出写生作画，切磋画艺，共同探索画中的光与色的描绘。
  1874年雷诺阿以《包厢》一画参加首次印象派画展，这标志着雷诺阿风格的成熟。后来，1876年，他又在《红磨坊街的露天舞会》一画中，用这种方法表现规模宏大的场面，透过树丛的星星点点的阳光，洒落在人们的身上、脸上、桌上和草地上，真正实践了“光是绘画的主人”这一句印象主义者的口号。1876年以后，他的风格臻于成熟。作为这种风格的代表的《游艇上的午餐》、《爱尔·潘蒂埃夫人和孩子们的肖像》，都以明朗、艳丽、令人眩目的光彩，受到评论界和官方沙龙的赞美。随着绘画上的成功，生活境遇得到了改善。于是决定走出法国去东方寻找新的创作题材和灵感。他去了阿尔及利亚又取道英国，1881年又赴意大利游历艺术名胜佛罗伦萨、威尼斯和罗马等地，当他在罗马看了拉斐尔的画时感叹道：“真是妙极了，我早该看到它们。”这时他的艺术追求倒退到古典主义学院派，他说：“在油画方面我更喜欢安格尔。”这是他艺术道路上的一次危机。但就在这危机时代，他的印象主义精神仍始终保存在他的风景画中。
  阳光、空气、大自然、女人、鲜花和儿童。这就是雷诺阿一生用丰富华美的色彩所弹奏的主题。雷诺阿一生都很贫困，但画面却很甜美、明丽。他所画的女性丰满娇丽、妩媚动人，目光中常常流露着一种淡淡的忧郁；所画儿童，天真纯洁。他是位卓越的人物画大师，晚年得了类风湿病，手脚都变形，十分痛苦，仍坚持作画。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:41:52

印象派名画(12)：大浴女-雷诺阿

《大浴女》 1887年皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿法国 115.6cm×167.8cm 布油彩费城艺术博物馆藏
　　雷诺阿在这副画中，描绘出河边洗浴后休憩的裸女。近景三个浴女容光焕发，具有丰腴的官能美特色，她们的身体荡漾着一种青春风韵，又显得健康成熟。玫瑰色的肤色显示了少女的壮实和健美，极细腻的笔触绘制出女性丰满柔嫩的皮肤表面，塑造了她们那富有弹性、充满活力的肉体，赋予她们青春美和生命的欢乐。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:42:26

印象派名画(13)：躺着的背面裸像-雷诺阿

《躺着的背面裸像》1909 皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿法国 41×52cm 油画奥赛博物馆藏
　　雷诺阿的一生主要是在蒙马特和皮加尔度过，在他看来，巴黎充满了脂粉香气、肉欲横流。雷诺阿是首位成功地在光线的流动中将绘画、色彩与形式揉为一体的画家。这位致力于展现魅力、幸福和快乐时光的画家是一位永不停步的提坦巨人。他在一场自行车事故后右手几近残废的情况下，还将画笔绑在手腕上作画，并开始从事雕塑。所有的这一切都只为了一个目的，展现永垂不朽的女性形象。《躺着的背面裸像》就是一幅不朽的作品。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:43:23

印象派名画(14)：弹吉他的女人-雷诺阿

《弹吉他的女人》1897 皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿法国 81×65cm 油画里昂美术馆
　　雷诺阿又一幅永垂不朽的女性形象。与雷诺阿所画的其他女性一样，《弹吉他的女人》表现了吉他女丰满娇丽和妩媚动人，但目光中却流露着淡淡的忧郁。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:44:03

印象派名画(15)：达拉斯夫人-雷诺阿

《达拉斯夫人》1872-1873年皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿法国 47×39cm 油画习作奥赛博物馆藏
雷诺阿先生笔下披着面纱的贵妇，与雷诺阿的许多年轻裸女相比，《达拉斯夫人》确实不同凡响。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:44:42

印象派名画(16)：包厢-雷诺阿

《包厢》 1874年皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿法国 80cm×63cm 布油彩伦敦　科陶德学院美术馆藏
　　画家依据在剧院里得到的印象，创作了包厢中的盛装女性。有趣的是，这是在室内完成的印象派绘画。画家成功地表现了剧院中包厢里的气氛，虽然只画了两个人，但画家明显地突出了那个贵妇人的形象，化了妆的贵妇人与身后的绅士形成鲜明对比。《包厢》的色调是温馨的，它由玫瑰、黑、白三色组成，贵妇人身上黑条纹衣服非常醒目，粗阔的黑条与白色相间的浅色，使她显得光彩照人。以细小的笔触体现黑色，产生了一种丰富、浑厚的层次，使画面增加了视觉美感。

雷诺阿简介：
雷诺阿(Augu ste Renoir, 1841—1919)，法国印象画派的著名画家。皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿出生在利摩日的一个穷裁缝的家庭。1874年雷诺阿以《包厢》一画参加首次印象派画展，标志绘画的成熟。后来，又在《红磨坊街的露天舞会》《游艇上的午餐》、《爱尔·潘蒂埃夫人和孩子们的肖像》中，以明朗、艳丽、令人眩目的光彩，受到评论界和官方沙龙的赞美。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:45:23

印象派名画(17)：红磨坊的舞会-雷诺阿

《红磨坊的舞会》1876年皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿法国 131cm×175cm 布油彩巴黎　奥赛博物馆藏
　　这幅作品描绘出众多的人物，给人拥挤的感觉，人头攒动，色斑跳跃，热闹非凡，给人以愉快欢乐的强烈印象。画面用蓝紫为主色调，使人物由近及远，产生一种多层次的节奏感。画家把主要精力放在对近景一组人物的描绘上，生动地表现出人物脸上的光色效果及光影造成的迷离感，渲染了舞会的气氛。就总体看，他保留着印象派对外光与色斑的留恋，使画面的总体色调、气氛有一种颤动、闪烁的强烈效果。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:46:11

印象派名画(18)：三浴女-塞尚

  《三浴女》，约作于1875-1877年保罗·塞尚法国油画 22×19 cm 1982年捐赠所得，奥塞博物馆
　　《三浴女》上画的三个女人个个身躯庞大，并非没有一点色情意味，这与当时普遍认可的女性美标准是不相符的。不过塞尚之所以这样做，倒不是意在显示人物躯体的美感，而是想表现其举手投足的姿态所显现的力。从她们身上所透出的活力和平衡感，使这幅画成为一件杰作；塞尚通过此作品表达了一种有关户外自然界和生命力的微妙感受。

  塞尚在其绘画生涯中所绘题材十分有限，其中有普罗旺斯的风景、肖像画和自画像、静物写生及沐浴男女之裸体画。画家画沐浴男女开始于19世纪60年代初，此后画家画了许多这类有一个或数个人物的裸体画，直到其离开人世；画家在晚年所绘的三幅大型裸体画为其代表作。画家毕生所从事的这一题材，恐怕是其作品中最为重要的部分。画家本人就讲过，以沐浴为题材可使所绘人物与周围景色融为一体，因为画家这时可同等对待所有要素，而不是像学院派所指出的那样，把自然环境当做次要之物，不过是用做所绘人物的装饰和点缀。
　　不过，塞尚在实施其计划的过程中遇到许多困难。他生性腼腆，难以在赤身露体的模特面前作画。再者，把模特放到大自然中去，在当时是一件不可思议的事，为道德观和教会所不容；况且又在外省，那里的保守思想远比首都严重。画家于是转向往昔大师们的绘画和雕塑作品，到各博物馆去一一临摹，同时对其所绘人物的姿势细加揣度，使其作品臻于完美。画家这样做，是因为不愿描绘真实场景，而只想表现想象的场景，因此与所绘题材有着一定的距离。画家明明画的是沐浴，但画上却看不到水，或者水只占次要地位。比如读者眼前这幅画，只是在画的前沿画了个小水坑，这对画家所要表达的主题来说，岂非荒唐可笑？画上的人物或还未沐浴，或已沐浴完毕，几乎总是在岸上休息。
　　巴黎奥塞博物馆所藏《三浴女》上画的三个女人个个身躯庞大，并非没有一点色情意味，这与当时普遍认可的女性美标准是不相符的。不过塞尚之所以这样做，倒不是意在显示人物躯体的美感，而是想表现其举手投足的姿态所显现的力。三位女性被安排在一种想象中的三角形位置上，其躯体的轮廓清楚地显现于画面上。只是背向画面的女人左臂伸出了画面，显示出画面之外还有一人，此人只在树叶丛中露了个头。站着的女人正要进入水中，突然停下，面部向陌生人转了过去；而其臂膀中象在半空一样停留在了第三人的头顶上方。在两位褐发女郎中间的这位惟一的金发女郎，即画面上的最后一位，所处位置稍偏一点，身子弯了下去。这三个女人形体粗壮；这样的人，人们在任何时候都可以见到；画家对她们的身份未予点明。她们肚皮滚圆，臀部宽大，两只乳房沉甸甸的，令人想到生殖力这一概念。正看着这一场景的那人，可能典出古代一神话故事，说的是一些仙女在沐浴中突遇森林之神降临。塞尚无疑想说“顺自然之力来繁衍后代”，也就是说应当剔除学院式的矫揉造作，以现代的生动形式涉足传统的重大题材。
　　这一幅尺寸较小的画，是画家事先计算好、以缓慢的笔法绘出的。画面上的人物是用强劲有力的笔触直接画上去的，事先未经素描勾勒。肌肉没有传统裸体画所常见的那种粉红色和平滑性，而是互相交错的无数笔触融合在一起后所形成的大理石状纹理。大块绿色和紫色的阴影，为表现女性之细腻肤色所不常用的，但这里却将其躯体完全烘托了出来；同时涂抹于面庞、肘部、膝盖、脚部和手等处的胭脂红色调，也使之显得格外光彩夺目。画家在画完人物后，以深暗的色调对躯体的若干部分给予了浓墨重描，以显现其轮廓。我们由此可见，给外形以分量的笔触感是何等重要。这种笔触时而呈圆形，时而呈类似树叶的影线形，可创造出浓密的网络状和鲜亮的粘稠状，以强调光的存在。相反，人物和树木四周的天空和草地，却通过白、蓝、绿、黄等普通色彩，以流畅的笔法加以处理。
　　小幅画作上的这些浴女有着非凡的表达力。从她们身上所透出的活力和平衡感，使这幅画成为一件杰作；塞尚通过此作品表达了一种有关户外自然界和生命力的微妙感受。伊莎贝尔·卡恩（文）

塞尚生平：
  保罗·塞尚 (1839-1906)，后期印象画派的代表人物，毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父”。　　
  印象派画家原先都曾经参加印象主义画派的活动，直到1886年第8次印象派画家展览会时他们——首先是塞尚——以鄙弃印象主义者追摹自然界表面色光反射的做法，提倡按照画家的思想和精神重新认识外界事物，并且在自己的作品中依照这种认识重新组构外界事物。正由于这种认识方法上的彻底变革，塞尚在西方美术界一直被誉为：现代绘画之父”。　　
  他于1839年1月19日诞生于法国南部普罗旺斯地区艾克斯的一个银行家。1858年到巴黎学画，并与文学家左拉、诗人波特莽尔等人结识，60年代初，支持过库尔贝反对古典主义学院派的斗争，从而与印象派画家莫奈、毕沙罗、雷诺阿等相结合，1872年，塞尚全家迁居瓦兹河谷的蓬图瓦兹城，在毕沙罗的影响下，积极参加印象主义运动。但是，塞尚努力探讨物体内在结构的思索使他不得不对印象主义发生怀疑，他指出：“世界上的一切物体都可以概括为球体、圆柱体和圆锥体”，从而在画面上做到极大的概括。他反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。他的画面，色彩和谐美丽。面对写生对象，他总是极其审慎地观察、思考和组织画面的色调，反复推敲，反复修改，以致许多画总像是没有完成一般。为了长久地反复钻研，他经常面的题材是静物画。在这些精心组织的静物画中，塞尚并不过多地重视空间、体积和透视丰系的科学性，而是更加注重画面形和色的平面布局，力求达到一种类似图案一样的平面的和谐与均衡。但是，他这样反复地去画人物时，常常使当模持儿的人无法忍受长时间的枯坐，因此，他越来越难以寻找可意的模特儿。而最为耐心最为善良的模特儿便是年轻的塞尚夫人。他的作品中，以夫人为模特儿的便有25件。《红沙发上的塞尚夫人》便是其中之一。塞尚夫人名叫马利·奥尔丹斯·菲格，1869年与塞尚结婚。在这之前，她是一家装订工厂的女工，业余为塞尚作模特儿，她的耐心和顺从使塞尚十分感动。结婚之后，她不但操持家务，照料画家的起居，而且继续为画家当模特儿。在这幅画中，画家把红色沙发和模特儿身上的蓝绿色调，构成十分鲜明的对照，色彩响亮而协调。　　
  1886年，塞尚的父亲去世后，继承银行业务的兄长为他在普罗旺斯的庄园中安排了舒适的生活，但画家仍孜孜不倦、勤奋作画。1895年，画商伏拉尔为他在纳弗罗街自己的画店里举行过一次展览，共展出作品150件。1900年巴黎万国博览会举行“法国艺术100周年纪念”美展，塞尚的3件作品入选展出。1904年，巴黎多彤奈画廊举行“向塞尚致敬”专题陈列，并出版了介绍画家的小册子。从此，塞尚的名字才广为人知。’ 1906年10月2；日，塞尚照常凌晨5时起床，拿起画架，到野外去写生，但是，他却没有能够再回到自己家里，由于心脏病瘁发，他在作画中死去。这一年的年底，人们为他举行了大型回顾展，系统地展出塞尚的作品，并且介绍了他的思想。这个展览会使一名刚刚从西班牙的穷乡僻壤来到巴黎的青年大为感动，他便是后来成为20世纪最伟大的天才画家的巴勃罗·毕加索。46岁从塞尚的艺术中萌发了立体主义的观念，并且广为发展和传播塞尚的思想。大约正是由于这一点，人们把塞尚叫做“现代绘画之父”。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:46:50

印象派名画(19)：白杨树

  《白杨树》，约作于1879-1880年保罗·塞尚法国油画 65×80 cm 约瑟夫·雷纳赫1921年遗赠巴黎奥塞博物馆
　　塞尚在这幅画中所绘景致在帕蒂村的马古维尔城堡附近，种着白杨树的小径呈“S”形曲线，他利用这一生气勃勃的曲线安排其构图的不同层面。画面深处的景物因而要小于画面前沿的景物。这一几何结构的呆板效果因有光和空气穿行其中而缓和了许多，在倾斜和笔触间利用浅淡颜料而留出的空白则使光和空气的这种运动变得更加明显。以整齐划一的笔法绘出的图案，显得非常有活力，使叶片在风中抖动的参天大树显出一种近乎音乐的节奏感。

  19世纪70年代中叶，塞尚习惯于在他的故乡——普罗旺斯地区埃克斯和巴黎轮流居住。在毕沙罗的引荐下，他在巴黎加入了印象派团体，从此开始其印象派艺术生涯；不过由于他那成熟的画风及对题材所作的有一定距离的诠释，他在该团体内仍然形单影只。他的风景画既没有莫奈的敏捷才思所透出的伟力，也没有雷诺阿对于声色的非凡敏锐性。他的画也不同于西斯莱的诗歌般印象派意境及卡耶博特的细腻描绘笔触。塞尚是一位完全凭感觉行事的画家，和创作哲学含义浓厚的山水画的中国画家十分近似。他感兴趣的是大自然向他显露的形和构架，而不是大自然在他心中所形成的印象。在他行将就木之际，他向一个特意来向他请教、名叫艾米尔·贝尔纳的青年画家透露了他30年来所崇尚的信条：“应当把大自然当做一个圆柱体、一个球面、一个圆锥体，一切都可以入画。”除观察细致之外，他还信仰万能的上帝造物主。他努力想在绘画中片断地再现世界的一般秩序。
　　1879年4月初，塞尚迁居美伦，小城地处巴黎东南30公里，距枫丹白露不远。他每天都带着他的画架和颜料，选好了景作画，而他所特别偏爱的是附近一个名叫曼西的小村庄。毕沙罗所钟情的是乡村农事和村野居民的日常生活；塞尚则与之截然不同，他一门心思关注的是没有人或动物打扰的自然风光。他选择风景不是以其是否秀丽为标准，而是从线条、颜色、光线及空间等角度观察，看它是否符合纯造型方面的标准。在寂静的乡村中，他对自己成年以来所形成的风格做了一点调整，改用一种长而斜的笔法，在画面上勾勒出类似地毯网络的图案。光在其中循环的这种网络图案，是他次年在蓬图瓦兹地区所绘《白杨树》等作品的主要特点。
　　塞尚在这幅画中所绘景致在帕蒂村的马古维尔城堡附近，距蓬图瓦兹不远，10来年中，他经常来此作画。到达可俯瞰该景致的路边后，他开始构造画面空间，但不考虑是否有逼真效果。种着白杨树的小径呈“S”形曲线，他利用这一生气勃勃的曲线安排其构图的不同层面。画面深处的景物因而要小于画面前沿的景物；然而与幻术或照相术不同，他所绘出的景物毫无模糊之感，其色彩也毫不逊色。这一几何结构的呆板效果因有光和空气穿行其中而缓和了许多，在倾斜和笔触间利用浅淡颜料而留出的空白则使光和空气的这种运动变得更加明显。以整齐划一的笔法绘出的图案，显得非常有活力，使叶片在风中抖动的参天大树显出一种近乎音乐的节奏感。
　　在塞尚为其风景画挥笔时，其调色板所用颜料十分有限，即调配成有浅有淡的绿色以及锡耶纳土色，此外是用来表现天空和井边石栏的蓝色和白色，这后两种颜色涂抹于画面的中央和右侧。他画得很慢，直接用颜料勾画出其图案，而不先画出显示画面轮廓的草图。纵横交错的笔触，彼此间却处于一种完满的平衡，使所绘风景给人以稳定之感，十分接近17世纪画家的传统观念。他曾写道：“我想让印象派的画成为一种坚实的艺术，像博物馆收藏的艺术品一样万世长存。”
　　同大自然融为一体的塞尚，传达给我们的是从大自然所得出的万古不变的印象。他在让我们就他绘出的空荡、寂静的世界进行思索时，他作为情感传递者的身份也得到了确认。伊莎贝尔·卡恩（文）

塞尚简介：
  保罗·塞尚 (1839-1906)，后期印象画派的代表人物，毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父”。　　　
  塞尚反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。他的画面，色彩和谐美丽。他的作品中，以夫人为模特儿的便有25件。塞尚夫人名叫马利·奥尔丹斯·菲格，1869年与塞尚结婚，结婚之后继续为画家当模特儿。
  1895年，画商为他举行过一次展览，共展出作品150件。1900年巴黎万国博览会举行“法国艺术100周年纪念”美展，塞尚的3件作品入选展出。1904年，巴黎多彤奈画廊举行“向塞尚致敬”专题陈列，并出版了介绍画家的小册子。从此，塞尚的名字才广为人知。 1906年10月2日，塞尚照常凌晨5时起床，拿起画架，到野外去写生，但是，他却没有能够再回到自己家里，由于心脏病瘁发，他在作画中死去。后来成为20世纪最伟大的天才画家的毕加索从塞尚的艺术中萌发了立体主义的观念，并且广为发展和传播塞尚的思想。大约正是由于这一点，人们把塞尚叫做“现代绘画之父”。

无墨 · 发表于 2006-9-27 04:47:40

印象派名画(20)：蓬图瓦兹的加莱山坡

《蓬图瓦兹的加莱山坡》 1880至1881 保罗·塞尚法国油画 60×75.6 cm LVMH（莫特-轩尼诗-路易斯-弗伊顿）藏品
　　这是一幅描绘距巴黎40公里处的蓬图瓦兹小城山坡的风景画。塞尚以平行的笔法概括性地涂抹出的画的主题，是一幅实实在在的视觉图案，一目了然，因为它把风景画的构架完全表现了出来。各个部分已缩减成彼此平衡的基本线条：如直冲霄汉的树木、呈平展状的小河、种着庄稼、坡度平缓的山坡以及在画的前沿蜿蜒伸展的道路。沿道路分布的几处房屋把人们的视线一直引向山坡之上，来表示画的深处。这些上了色的小方块，同并列的几何状平面或表面的层层叠合所形成的景色，完全融为一体。放在画幅中央的几株树木，形成一垂直的屏幕，在视觉上把该画的各个景都捏合到了一起，而在画的表面所散发的光线又使整个画面非常统一。

1881年5月初，塞尚在距巴黎40公里的蓬图瓦兹小城安顿了下来。1872年，他曾与其朋友卡米耶·毕沙罗画家为邻，在此小城居住过。该地区当时还保留着农村状态，为喜爱户外的画家提供了多种多样的题材，且这里生活便宜，花费不会太大。此外，蓬图瓦兹当时已有铁路与巴黎相连，因而塞尚在美丽的季节常来此小住，选景作画。因此眼前这幅画，很可能是他在1880年夏或次年画的。
　　画家来到一个可俯瞰瓦兹河谷的山坡上，蓬图瓦兹附近的大片农村，包括种着庄稼、被分割成绿色或褐色地块的农田，以及一条道路、在脚下流过的瓦兹河和几处房屋，皆尽收眼底。对于一个地方，画家并不追求其风光有多么秀美；也不像其他印象派画家那样，一心惦念的是光线有怎样的不同，气候有怎样的变化。他所关注的，主要是大自然的稳定性，只要其各个部分彼此衔接、交错存在，能提供适宜的空间便可。就说现在这幅有关加莱山坡的风景画吧，他首先画成素描，在素描的基础上再画成水彩画；水彩画上，各个部分用不同颜色进行了重新归类。随后，在此户外工作的基础上，他可能在画室完成了这幅画。他以平行的笔法概括性地涂抹出的画的主题，是一幅实实在在的视觉图案，一目了然，因为它把风景画的构架完全表现了出来。各个部分已缩减成彼此平衡的基本线条：如直冲霄汉的树木、呈平展状的小河、种着庄稼、坡度平缓的山坡以及在画的前沿蜿蜒伸展的道路。沿道路分布的几处房屋把人们的视线一直引向山坡之上，来表示画的深处。这些上了色的小方块，同并列的几何状平面或表面的层层叠合所形成的景色，完全融为一体。画家的高超技艺，就表现于如何在平展的画幅上显出空间之深远这一紧张关系的处理上。放在画幅中央的几株树木，形成一垂直的屏幕，在视觉上把该画的各个景都捏合到了一起，而在画的表面所散发的光线又使整个画面非常统一。
　　这样，被人类所“驯化”的大自然，也就成了区区几块图形；这些图形，按照某种和谐的节奏分布，分别用冷色调或暖色调、明亮色或晦暗色来涂抹。这一乡村景象与人们所见到的有一定距离，因为那儿即没人也没家禽，所以不是像照片那样对某一景色的忠实再现，而是一种理解，一种想象。它是时间与空间的综合，实在说来要远胜于对事物所作的那种难以想象的极为细腻的描绘；塞尚通过这幅画告诉了我们其感觉上的精髓。

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